En rédigeant le billet sur les modèles économiques des industries créatives, je me suis retrouvé à me poser des questions sur le fonctionnement du système de subventionnement des projets artistiques.
Comme souvent, dès que l’on commence à questionner un système avec un pas de côté, cela devient complexe, contradictoire… et donc intéressant. C’est pourquoi j’ai voulu donner plus de place à ces réflexions sur le fonctionnement des subventions artistiques via un billet dédié.
Comme ces réflexions ne datent pas de hier, je me permet de pointer sur un billet que j’ai écrit en 2018, sur la question du financement des projet digitaux:
La fatigue et les limites du dispositif des subventions
Dans ce billet je vais surtout aller chercher la petite bête dans le système que je connais bien pour l’avoir pratiqué pendant plus de vingt années: le modèle Suisse. Toutefois, mon intention n’est pas de vouloir invalider le principe de ces subventions. Je suis un défenseur convaincu du Service Public (voir à ce propos mon billet sur Play Suisse, la plateforme SVOD de la SSR) et des subventions publiques pour garantir une expérimentation artistique sans contraintes de rentabilité.
Les réflexions et les liens que je partage ici ne sont aucunement des attaques contre ce principe, mais plutôt une envie de le challenger et d’aller chercher au-delà de nos modèles actuels et des habitudes si bien ancrées.
Quelles sont donc ces limites et la fatigue du modèle ?
Limité objet
On ne peut recevoir de l’argent public que si l’on produit un objet (film, pièce de théâtre, application VR, etc). Même si l’on part toujours d’un projet, ce qui est soutenu au final est un objet, consommable principalement dans l’un des domaines culturels établis (le cinéma, le théâtre, l’évènementiel des festivals, etc).
Pour mieux expliciter ce que j’entends par cette opposition entre objet et projet, je renvoie à ce billet.
En résumé: Internet existe depuis plus de 30 ans et nous produisons toujours des objets selon une mécanique linéaire dans des silos que l’on essaye à tout prix de garder hermétiques, pour tenter de garantir une rareté et donc un semblant de maîtrise de la valeur de l’offre.
On voit bien que ça ne marche plus très bien, et que l’on se coupe ce faisant des multiples opportunités que d’autres créateurs, ailleurs dans le monde, peuvent aller moissonner.
Parfois pour le meilleur, mais encore trop souvent, il faut bien se l’accorder, en perdant des plumes.
La richesse de ce qui est produit tout au long du processus de fabrication de l’objet (contenus, expertise, relations, communauté…) est perdue, si elle n’est pas incluse dans, ou du moins avec l’objet proposé. Et comme il n’y a pas de subventionnement public pour faire fructifier le projet au delà de la période de diffusion de l’objet, il n’y a pas d’incitatif à pérenniser ces richesses. Trop souvent, après 12 à 18 mois de vie publique plus ou moins visible, l’objet produit va se retrouver dans une archive introuvable.
Alors qu’il y aurait tellement à y gagner de continuer à faire vivre le projet, en profitant des multiples possibilités du numérique… Ne serait-ce que pour le public qui est à la source de ces subventions.
Dans un circuit de production hors subventions, cette perte de valeur et d’opportunités serait rapidement sanctionnée. Principalement parce que cette exploitation « simple » sur une si courte durée ne permet pas de créer des opportunités pour renforcer sa propre chaîne de valeur, et ainsi diminuer la dépendance à une unique source de financement (en l’occurence, ici, les subventions).
Comment partager ces richesses et concrétiser les potentialités incluses dans le projet ?
Il y a évidemment plusieurs réponses à cette question; mais comme je ne trouve pas d’exemple vraiment convainquant dans le monde du cinéma classique, je pointe sur un ovni canadien présenté en détail sur le blogdocumentaire.fr:
Décorellé de la société
Le principe d’une subvention pour la création artistique part de l’offre (des artistes) et non pas de la demande (du public).
Ce n’est pas un souci en tant que tel, mais à force, l’essentiel des propositions artistiques proviennent des besoins et des envies des créatrices et créateurs. Les besoins et les envies existants dans la société ne sont pas vraiment pris en compte…
Cela fait sens si l’on considère strictement la valeur et l’intérêt symbolique d’une oeuvre d’art, mais je trouve qu’il serait salutaire d’intégrer dans la création de valeur ce que la société civile peut demander et proposer.
Comment mieux connecter la société avec la création artistique ?
Voici un exemple tiré d’un billet sur le site du Fonds des médias du Canada (très bonne source d’inspiration d’ailleurs):
Mécanisme top-down fermé
Découlant des deux premiers points (consommation passive et limitée dans le temps et non prise en considération des besoins et des envies du public), le rapport entre le producteur culturel et la société est forcément en mode top-down. Alors que bien souvent, dans les récits produits, cette posture top-down est critiquée, questionnée… chez les autres.
Je ne suis pas sûr que le système des subventions favorise une auto-critique qui va au bout de sa réflexion, parce qu’à ce moment là l’objet produit devrait sortir de son propre moule. Et redevenir projet… avec la perspective de devoir se débrouiller en dehors du monde subventionné.
Comment permettre aux créatrices et créateurs d’être plus agiles et libres, en phase avec leurs propres discours ? Je me permets de remettre ici mon billet sur les industries créative:
Mécanisme de validation
Pour développer le point précédent: une raison du manque de souplesse et d’évolutivité est à chercher du côté de la validation (ou invalidation) par les pairs, qui sont dans les commissions d’attribution de subventions. Tant que les commissions ne sont majoritairement formées que par des acteurs du sérail, il y a forcément peu de risque de remise en question.
Cet état de fait est particulièrement marqué dans le cinéma, qui fonctionne en vase clos avec des profils très similaires. Particulièrement en Suisse, un peu moins ailleurs, comme par exemple au FMC au Canada.
Comment ouvrir les commissions à des experts d’autres domaines, comment faire évoluer les règlements et les incitatifs en invitant des parties prenantes de la société civile ?
On peut aller regarder du côté des outils de la démocratie participative, comme Decidim:
Dépendance rituelle
Comme le financement va pour la quasi totalité à la fabrication d’un objet (la destination) et non pas au développement et à la pérenisation d’un processus de travail (le chemin), il faut produire un nouvel objet pour ne pas perdre son expertise (les ressources humaines et les outils de travail).
Cela veut dire qu’à un certain moment de son existence, la structure de production culturelle va devoir produire coûte que coûte (indépendamment de l’intérêt, des besoins et des envies) des objets artistiques pour simplement survivre…
On passe donc d’une aide financière couplée à une plus value artistique à une aide financière soutenant l’emploi.
Pourquoi pas: une démystification n’est pas forcément liée à une perte de valeur et d’intérêt.
Il est par contre assez piquant de parler de soutien à la création indépendante lorsque l’on parle de subventions culturelles… parce que l’indépendance n’est ici qu’un mythe de plus.
Personnellement, il me semble que la seule indépendance possible se trouve dans l’interdépendance: le fait d’avoir un certain nombre de partenaires et de flux de financements complémentaires (comme un indépendant, en fait).
Comme la majeure partie des acteurs culturels tourne financièrement essentiellement à travers les subventions, et peu à travers les recettes liées à l’exploitation de l’objet (par exemple), les quelques portails de subventionnement ne peuvent pas créer cette interdépendance vertueuse.
Un certain temps, les sociétés de productions de films faisaient aussi société de services audiovisuels, ce qui permettait de garantir un fond de roulement continu, en parallèle aux subventions ponctuelles. C’est ainsi que j’ai procédé pendant 15 ans avec mon ancienne société C-Side Productions. Aujourd’hui, il semble qu’il faut découpler les activités pour pouvoir continuer à toucher des subventions.
Clarification et fragilisation vont de pair.
Comment créer cette interdépendance vertueuse, cette robustesse structurelle permettant de découpler les besoins continus (garder l’expertise et l’emploi) des envies ponctuelles (la création d’objets) ?
Certains essayent un alliage entre des subventions à la création et des soutiens structurels, ou des aides liées à l’innovation. Et d’autres peuvent bénéficier d’aides sur la durée via des conventions de soutien conjoint.
En attendant que les mécanismes de subvention évoluent vers des nouveaux modèles plus en phase avec les réalités actuelles (via les initiatives du nouveau Pôle de la Création Numérique, par exemple), il est sans doute opportun d’expérimenter avec d’autres chaînes de valeurs, dès le départ du geste créatif.
Dépendance à l’arène politique
Comme n’importe quel autre secteur soutenu essentiellement par la main publique, les subventions sont régulièrement dans le collimateur des jeux politiques, malheureusement souvent pour de bien mauvaises raisons (instrumentalisations politiques).
Malgré la pression des acteurs culturels, il y a fort à parier que les subventions ne vont pas continuer à augmenter éternellement.
Devant cet état de fait, il y a les méthodes traditionnelles pour se défendre:
- Former des lobbies pour influencer des décisions de politique culturelle. Et ainsi espérer garder le status quo actuel, qui est basé sur un protectionisme inspiré de l’exception culturelle française.
- Faire passer des lois pour faire passer d’autres acteurs à la caisse (Netflix ou Google pour prendre deux exemples commentés par des bords politiques opposés). Et ainsi faire entrer plus d’argent, pour compenser les réductions budgétaires (mais surtout pour pouvoir produire plus, avec plus d’argent).
Ces combats sont nécessaires, mais ils repoussent le problème si on ne couple pas la préservation des acquis avec des nouvelles propositions et une transformation de fond. On le voit avec la presse, qui a réussi à taxer dans certains pays une partie des GAFAM, avec un résultat pas très constructif…
Voici une manière de résumer le combat:
Comme souvent, les gagnants ici sont… les « gagnants » actuels: les gros groupes de presse, au détriment de la pluralité représentée par les petites structures.
Il faut donc espérer que les acteurs culturels et les parties prenantes institutionnelles vont plutôt investir leur énergie à développer des nouvelles modalités de soutien public avec une vision pour le long terme, plutôt que de se battre sur le court terme pour récupérer des miettes chez « les méchants ».
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